EL ÚLTIMO SUPERVIVIENTE, ¿UNA FARSA?

El programa de televisión protagonizado por Bear Grylls se basa en su superviviencia en condiciones extremas en plena naturaleza. Y la verdad es que ver este reality impresiona bastante y hace que te dejes llevar. 

Todo es admiración hacia Grylls, que tiene un currículum más que completo, hasta que descubres que ni las situaciones en las que se encuentra son tan peligrosas ni los espacios naturales en los que se desarrolla la acción son como se pintan. En ocasiones, lo hemos visto aspirando su calcetín lleno de tierra húmeda para absorber algo de agua y evitar la deshidratación e incluso comiendo larvas y gusanos y otros seres vivos que no sabíamos ni que existían. 

El pasado marzo, Bear Grylls fue despedido por negarse a realizar un par de proyectos y aún se desconoce si el programa tendrá un sustituto o se cancelará.

Evidentemente, al ser un programa de televisión es inevitable que esté, en cierto modo, algo preparado. Y, aunque haya resultado ser una especie de farsa, no deja de mostrarnos paisajes impresionantes y darnos a conocer otras partes del mundo que pueden resultarnos interesantes.

Aquí os dejo un par de vídeos que muestran cómo se han maquillado algunas realidades.

CRÉDITOS INCIALES

Siempre me han llamado la atención los créditos de Mujeres Desesperadas, y es que, están repletos de simbolismos, sus créditos tienen referencias al arte y, en especial, a un arte que representa la desesperación de la mujer a lo largo de la historia.

Empiezan con el cuadro de Adan y Eva de Lucas el viejo, donde comienza la desesperación de la mujer, pues es quien coge la manzana y por ello son expulsados del paraíso, a continuación, Egipto y la cuestión de los niños, después el siglo XV con El Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck y la sumisión de la mujer, le sigue Gótico americano de Grant Wood una alegoría del matrimonio tradicional americano, entre ellos parece una mujer del estilo Pop-art, lo que se podría traducir como la infidelidad de los hombres, continua con un poster de Dick Williams I am proud, donde aún no han cambiado las cosas para la mujer, se cae la conocida lata de sopa Campbell que pintó Andy Warhol, vemos ahora como sigue la desesperación de la mujer en los cuadros de Robert Dale Romantic couple. Los créditos acaban con la imagen de las protagonistas cogiendo la manzana de la tentación, haciendo ver que aunque haya pasado mucho tiempo las cosas para la mujer no han cambiado.

Desde mi punto de vista, los créditos de las series son básicos para presentarlas, ya que son la primera impresión que recibirá el espectador y serán la identidad visual de la serie, y esta serie lo sabe. Por otra parte, pienso que estos créditos llegan más lejos de hacer referencia a obras de arte, sino que además, hace una crítica sobre los desprecios a la mujer durante toda la historia y como esta ha ido haciéndose un hueco en la sociedad, pero aún no lo ha conseguido del todo, y siguen habiendo desprecios y discriminaciones, en menor medida, eso sí, pero siguen habiéndolos.

PEDREIRAS

PEDREIRAS. CARNE DE DIOSES.

Es una exposición de fotografías del catedrático de historia del arte Joaquín Bérchez, situada en la sala de la muralla del Colegio Mayor Rector Peset.

Son fotografías sobre las canteras de la pequeña localidad de Villa Viçosa ''capital del mármol'', en la región de Alentejo, Portugal.

La verdad es que el nombre de la exposición impacta, ¿hay alguna relación entre el mármol y carne de dioses? Puede ser que las vistas de la cantera se asemeja con los paisajes de la mitología griega.

Son fotografías de gran belleza. A primera vista, parecen con una geometría abstracta, no se asemejan ni siquiera a lo que realmente son, pero cuando te aproximas y contemplas que es un escenario totalmente natural modificado por la mano del hombre, te das cuenta de que estás ente algo excepcional.

Lo que aumenta aun más la belleza de las fotografías es que se observan unos pequeños puntos que son personas y máquinas excavadoras. Parece increíble que puedan ser tan grandes.

La visita de esta exposición es realmente fascinante, ya que nunca me había imaginado que un cantera podría ser tan bella.

                

DESCANSO

Aquí traigo una fotografía realizada por mí este pasado verano. La hice una tarde, en mi lugar de veraneo, mientras me relajaba en la playa con el sol y el sonido del mar. Descanso y felicidad. No creo que sea una fotografía con ningún tipo de calidad especial. Para mí, eso es lo que transmite esta fotografía: el disfrute por el disfrute, sin ninguna preocupación, libertad y relax. 

No obstante, con respecto a la composición destacaría la asimetría, con la mayor parte de los objetos a la derecha (el sol, su reflejo, la escollera) y en decrecimiento hacia la izquierda. 

LAS OBSESIONES DE ANTONI MIRÓ

Si pasamos por las puertas del IVAM nos daremos cuenta de las exposiciones que hay actualmente entre las que se encuentra una sobre un artista alicantino, Antoni Miró, cuya producción artística ofrece un "autorretrato de sus obsesiones".

Antoni Miró es un pintor que refleja una profunda crítica de la realidad en su arte, con una cierta incidencia en cuestiones sociales principalmente, manifestando un estilo y expresión propios. La exposición recorre la producción artística del pintor a través de unas 120 obras perfectamente seleccionadas que muestran claramente, pues solo hay que mirarlas, como su obra responde a un profundo compromiso político y social. 

La exposición empieza con una reinterpretación de una obra de Velázquez “Las lanzas” expuesta a la entrada de la sala, lo que se puede traducir como una invitación a entrar en la exposición. En el primer tramo se encuentran algunas obras que son guiños a otros artistas como por ejemplo Picasso, o una obra en la aparece el David de miguel ángel.

En los siguientes tramos se centran más en la "obsesión" del pintor, que es como ya he marcado antes, la crítica a la realidad social y política, para ello utiliza temas como los derechos, la pobreza, el atentado de las Torres Gemelas, los problemas en Afganistán, referencias al ramadán, entre otros. Una de las obras que me gustaría destacar es “Primavera Valenciana” del 2012, donde se ve una escena en la que los policías cargan contra los estudiantes manifestantes

La exposición acaba con una serie de obras sobre rostros de personajes, rindiendo así homenaje a estos, algunos de estos personajes, mayoritariamente lingüistas, como por ejemplo, Joan Fuster, Vicent Andrés Estellés, Isabel-Clara Simó, Enric Valor, Miguel Hernández, o artistas como Salvador Dalí, Pablo Picasso, filósofos como Karl Marx, incluso el revolucionario Che Guevara.

Con respecto a la sala de exposición el blanco de la pared y del suelo provoca una mirada del espectador únicamente hacia las obras, haciendo que este se centre en ellas, al igual que la luz cuidadosamente tratada para implicar al espectador en la critica que hace el artista a la sociedad e intentar que empatice con ella. Desde mi punto de vista, es una exposición interesante, porque hay obras que están realizadas y tratan temas recientes, lo que hace que te involucres más aún, además Miró es un ejemplo más de la reivindicación que hacen muchos artistas a través del arte. 

TERNURA

Esta foto la realicé el otro día en la práctica de historia
del arte por Valencia. Iba paseando y me topé con una imagen que, bajo mi punto de vista, es realmente preciosa. Una pareja sentada bajo el árbol, en uno de los rinconcitos quizás más frondosos del centro de Valencia (el Parterre).

La fotografía me recuerda, por la composición, a las imágenes que aparecen en la portada de las novelas, ya que bajo un paisaje inundado por la presencia del gran ficus, yace una pareja que destaca, quizás por el colorido de su ropaje, o por ser las únicas figuras humanas presentes en la fotografía.

He de admitir que, más que la fotografía en sí, me gusta el significado y la sensación que me transmite: amor, comprensión, complicidad, temperamento, compañía, ternura, cariño... Una serie de sensaciones agradables que provocan en mí una inevitable sonrisa.

Por otro lado, aunque como ya he dicho no es la razón por la que la he elegido, quería destacar la composición, ya que la presencia del gran ficus a la izquierda, provoca una descompensación en la fotografía de lleno-vació que, gracias a las figuras humanas como a la farola, que no se percibe tan claramente, se retoma esta ternura.

PORTSMOUTH

Esta fotografía la hice en un viaje a Inglaterra. Es la playa de la ciudad de Portsmouth que es donde nos alojábamos durante todo el mes que estuvimos allí. Respecto a la composición se puede ver que más o menos la mitad superior de la foto es el cielo característico de los países del norte. Se puede decir que no está muy nublado aunque las nubes que hay amenazan lluvia y efectivamente llovió. La mitad inferior está compuesta por el mar y los cantos de la playa.  Ese día el mar estaba bastante calmado. Esta foto me gusta mucho porque me recuerda la tranquilidad con la que se podía escuchar el sonido del mar ya que como se puede ver la playa estaba vacía.

También me llama la atención la inclinación del mar, y es porque al hacer la foto torcí la cámara sin querer entonces sale la línea del mar inclinada y la línea de la playa horizontal cuando en realidad es al revés. 

HIERRO, MADERA Y PIEDRA

Indagando en la escultura valenciana, encontramos al que quizás sea el mejor artista valenciano en este ámbito, Vicente Ortí, dentro de su obra: Esculturas.

La muestra, inaugurada el 8 de noviembre, la podremos encontrar en el EMAT de Torrent hasta principios de enero de 2013, bajo el nombre de Ferro, Fusta i Pedra. En ella podremos disfrutar de 59 obras del que fue Carta de Poblament del 2010 en la modalidad de las Artes y Letras. 

Este profesor de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, nacido en Torrent, ha expuesto tanto en ámbito nacional como internacional (Barcelona, Madrid, Miami, Nueva York...), y ha trabajado con Manolo Valdés, lo que le permitió adquirir un alto nivel de técnica con el hierro.

La exposición, como ya he dicho, consta de 59 obras las cuales carecen de título, a excepción de algunas que nombra como máscara, guerreros, y alguna que otra escultura individual. Esto permite la fluidez de la imaginación al observar todas sus obras ya que, al leer el titulo de algunas, comienzas a ver similitudes con las que carecen del mismo. Es entonces cuando se produce una serie de hipótesis sobre el razonamiento y el significado de la escultura.

"El Abrazo"

Toda la sala blanca, de suelo de madera, enfatiza con unas luces los diferentes tipos de esculturas. Por un lado tenemos un grupo de obras de hierro que se soportan en bloques de madera, dispuestas sobre soportes blancos. Las esculturas se producen por el juego de piezas de hierro totalmente antagónicas, pero que combinadas crean una obra abstracta fruto del minimalismo. De esta serie de esculturas destacaría "El abrazo", una escultura que al verla me dio la sensación de abrazo, la sensación expresiva que muestra en su mundo.

"Máscara"

El siguiente grupo que aparecía representaba, en su totalidad, la abstracción dentro del estudio del cuerpo humano, pero enfatizando los rasgos masculinos mediante la figura del guerrero y la máscara. Es por eso que esta serie, soportada sobre apoyos de madera, reflexiona en las manifestaciones más primitivas, como eran las africanas.

Posteriormente se encuentra otra serie que representa la abstracción del cuerpo femenino, en concreto, la zona del pecho, en la que su sinuosidad está presente en el tratamiento de estos grandes bloques de piedra. Se trata de piezas de gran plasticidad en las que el tacto muestra el concepto de belleza que tanto ha perseguido, y conseguido, Vicente Ortí.

Por último aparecían ciertas piezas que, aunque individuales, representaban la reflexión sobre manifestaciones artísticas primitivas, como son los tótetms y los menhires. Estas piezas variaban en cuanto a su materialidad, pero al verlas, te sumergían en el arte de la prehistoria.

La verdad es que la exposición me ha gustado porque, como ya he comentado, te sumerge en la imaginación y en la subjetivación del objeto creado con cierto grado de abstracción. Con diferentes finalidades y elementos de referencia, Vicente Ortí se basa en la prehistoria y el concepto de belleza, para él, concepto que se regenera; con la intención de reflejar su afán por encontrar una nueva representación expresiva en sus obras.
Es por eso que utiliza un juego de materiales muy versátil, que después de haber sido trabajado a mano, crea unas figuras escultóricas que simbolizan  el estudio del cuerpo humano dentro de una postura abstracta y minimalista.

Bustos femeninos. "Sin Título"

"Tótem"

Conjunto escultórico. "Sin Título"

INSTANTÁNEAS DE LA CIUDAD

A menudo, cuando salimos a la calle y sobretodo al centro de la ciudad, no apreciamos todo aquello que nos rodea. La arquitectura, la configuración de las calles, las plazas, el estilo de los edificios, la historia y sobretodo el clima, le dan a cada ciudad un valor propio, intrínseco y reconocible rápidamente.

Esta fotografía, está tomada hace apenas unos días en la plaza de la Virgen de Valencia. Es fácil de reconocer, la Catedral en el fondo, la plaza central y los edificios tan particulares que la rodean, son elementos elementos que destacan.

Llama mucho la atención la luz, tan propia de la ciudad. Es una luz muy intensa, el cielo está muy claro e incluso transmite la sensación de calidez que allí se vive.



Cada ciudad poseo sus elementos diferenciadores, los que siempre nos vienen a la cabeza cuando pensamos en ella.

La fotografía de la plaza de la Virgen de Valencia me recordó a las famosas instantáneas de Piccadilly Circus en Londres. 

Esta imagen aparece en cuadros y es casi una seña de identidad de Londres.

La tipología de los edificios, el cielo más oscuro, la luz menos clara y sobretodo los anuncios publicitarios son elementos que todo el mundo reconoce incluso sin haber estado en la ciudad.




Al comparar las dos instantáneas, hay elementos que se parecen, como por ejemplo, los autobuses que siempre están pasando y los edificio históricos que se conservan en ambas ciudades. Las diferencias también son claras, resalta sobretodo la luz, la de Valencia tan clara y con el sol tan potente que ilumina todos los rincones y la de Londres, más oscura. Otra cosa que me ha llamado mucho la atención es la publicidad. En Valencia, los comercios se camuflan en los bajos de los edificios antiguos sin alterar su composición, en cambio, en Londres, parece que la publicidad se haya apoderado de las edificaciones y éstas ocupan un lugar privilegiado.

En mi opinión, la fotografía de Valencia es mucho más bonita aunque instantáneas como ésta no tengan tanta difusión y fama como la otra.

ALAMEDA LLUM

Hace 3 días fui visité la exposición organizada por el artista Javier Riera en los jardines del cauce del río a la altura del Museo de la Ciudad de las Artes y las Ciencias llamada Alameda Llum.

Para Javier Riera, la naturaleza es geometría y entiende los paisajes como un espacio ordenado, una construcción. Para explicar este concepto el artista en la exposición superpone la geometría sobre el paisaje presente mediante la luz.

La visita desde mi punto de vista debería ser obligada para todos ya que explica muy bien el concepto de Land Art sin modificar la naturaleza, porque con simples efectos de luz consigue dar un aspecto de realidad formal sobre la vegetación, tanto que si los focos de luz estuvieran escondidos o directamente no estuvieran presentes, parecería que los árboles están podados tomando las díficiles y geométricas formas que adopta la vegetación de la zona de la exposición.

Por otra parte, me pareció muy interesante como combina los temas de la geometría y el paisaje en cada una de las obras, haciéndonos entender el concepto que el tiene de paisaje. 

La luz tiene un papel fundamental en la exposición ya que sin ella no existirían las obras por lo que tiene tanto protagonismo o más que el propio soporte (la vegetación). Se aplica directamente sobre los árboles gracias a unos focos que se encuentran a pie de peatón. Además, durante todo el recorrido, podemos encontrar unos carteles que nos van guiando ya que hay algunas obras bastante escondidas porque no sigue ningún orden, sino la aleatoriedad en la que están dispuestos los árboles y arbustos en esa parte del cauce del río de Valencia.

La verdad, es que esta exposición me ha fascinado y me ha gustado muchísimo por el simple hecho de lo impactantes que son algunas obras y también por haber entendido un poquito mejor el Land Art, explicado recientemente en clase, además de poder ver como el artista, donde nosotros vemos arboles o arbustos, ve entramados geometríco, construcciones de espacio lineales y volúmenes.

Para finalizar, esta exposición termina el 28 de diciembre, es de entrada libre y gratuita y que se enciende todos los días a partir de las 18:00 horas.

100 AÑOS DE ARQUITECTURA Y DISEÑO ALEMÁN

En las naves se encuentra hasta el 15 de enero una exposición sobre la industria alemana, con el lema 100 años de arquitectura y diseño en Alemania. Deutscher Werkbund 1907-2007. En la cual se explica cómo surgió la idea de ofrecer diseño a los objetos cotidianos.

Deutscher Werkbund (DWB) era una asociación de doce arquitectos y artistas y doce compañías de Münich fundada en 1907, cuyo propósito era "el refinamiento del comercio mediante la interacción del arte, la industria y la artesanía, a través de un proceso de educación y propaganda", fue importnate para las instituciones culturales del siglo XX en Alemania, incluso se convirtió en una pieza elemental en la historia del diseño y la arquitectura moderna, además de ser precursora de la Bauhaus.

En la exposición se recogen casi 500 objetos, entre los que destacan numerosos carteles publicitarios, maquetas, muebles, dibujos, fotografias, objetos de la vida diaria, revistas publicadas (Das werk, Die form)

Respecto la distribución de la exposición es un recorrido guiado en dos plantas, empezando por la de arriba con la frase "del cojín de sofá a la construcción de ciudades" de Hermann Muthesius. Comienza con la explicación de los antecedentes de esta asociación y haciendo un recorrido explicativo tanto escrito como visual desde 1860 hasta 2007. De esta primera sala destaco los numerosos certeles publicitarios de objetos y viviendas, entre los que se encuentra la publicidad del Kaffe Hag, del tabaco Manoli, así como sus cajetillas o incluso anuarios publicados por la asociación.   

La exposición continúa en la planta de abajo, donde la primera parte está centrada en la arquitectura y el urbanismo alemán, se encuentran varias maquetas, muchas de las publicaciones de la revista Die Form, un montaje de un interior de una casa y algunas fotos de nuevas edificaciones y su propaganda.

La otra parte de esta segunda sala está dedicada a objetos cotidianos, desde una vajilla completa que muestran la idea principal de la asociación DWB que era, en resumen, el diseño sin ornamento, junto con una exprimidora de la marca Braun, una radio, un despertador y una cámara Rollei, entre otros. 

Y la última parte de la exposición, que está a continuación de la anterior, pero ya no es una sala sino dos pasillos en forma de L, en esta se deja a un lado los objetos y se centra en el surgimiento de la conciencia ecológica y la ética del consumo razonable, destaco una frase de Hans Schwippert “por una vez se debe hablar de lo que se necesita en lugar de lo que se produce”, esta parte está compuesta principalmente por carteles como “Salvad el agua”, “fuera y rápido, el principio de usar y tirar”.

Con respecto a la composición de la exposición me pareció un tanto liosa y demasiada luz artificial que muchas veces estropean los objetos y en especial los carteles. Desde mi punto de vista, es una exposición interesante para conocer la evolución de la industria alemana y como ha llegado a ser lo que es hoy en día, rebosante de información, en mi opinión, Werkbund es un ejemplo donde la creatividad, la innovación y el compromiso fomentan la base del éxito.